Happy BlogDay Perú

No será de música este posteo, pero debo mencionarlo:

Hoy 31 de Agosto se celebra el BlogDay Perú. Este servidor estará presente en la reunión que se realizará en el ISIL esta tarde.



Saludos a todos los bloggeros y a todos quienes visitan Manzarock. Gracias por eso. (Y sigo sin saber dónde queda Harmantepe...)

Sigan bloggeando ;)

*a.c.t.u.a.l.i.z.a.c.i.ó.n*

Olvidé que como parte de la celebración de este día, recomendaban recomendar (valga la redundancia) 5 blogs que:
i. visite frecuentemente;
ii. que no estén ligados al tema de mi blog.
Aquí está el Top 5 de Manzarock:

1_MoPo.Geek.News



Si el mundo está completamente loco, aquí te enterarás cómo, cuándo, dónde y por qué.

2_La.Cebolla



Odio el periodismo "serio". Por eso leo este blog. (Chekar The Onion, la web maestra y guía.)

3_Casu.El.Cuero



Es genial cuando riéndote de otros te ríes de ti mismo.

4_Drunken.Stepfather::I.Don't.Like.You.In.That.Way






Nunca seremos famosos. De ser así, seríamos la mofa de cualquiera de estos 2 blogs. Visita obligada.

5_Arturo.Goga



Porque siempre se puede saber menos de compus. Y sobre todo en este siglo.

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Freddie Mercury en The History Channel

Exactamente dentro de una semana, The History Channel emitirá este 4 de Setiembre un fabuloso y emotivo especial por el nacimiento del más grande (soy fan, no jodas) frontman en la Historia de la Música: Freddie Mercury.

El 5 de Setiembre se cumple el 60 aniversario de su nacimiento, y como celebración, este prestigioso canal del cable hará un programa para el recuerdo de 2 horas de duración. Alisten grabadores.

¡¡Cómo los extraño, puta madreeeee!!

Rock 'N Pop

ROCK 'N POP
30 de Agosto
La Noche de Barranco
10:30 pm - 10 lucas



Los Plomos
Autobús
Mi Jardín Secreto

::2006_ya.no.queda.nada::

::hope.of.the.states::left



Bandas van, bandas vienen. Sobre todo del Reino Unido. Hope Of The States estaba en la lista de grupos que pensaba mencionar estos últimos días de agosto. No solo por el hecho de haber sacado un disco que puede resultar agradable, sino también por ser uno de los atractivos de los próximos festivales de Reading y Leeds en Inglaterra. Esos shows, lamentablemente, serán los últimos. A la banda oriunda de Chichester nunca le fue bien, al menos para los ojos de su disquera, la poderosa Sony. Tal vez animada por este feeling neo-ochentero supuso que podría todavía probar del jugo que muchas bandas siguen exprimiendo a ese sonido. El asunto es que lo de Hope Of The States no va tanto por ahí. Lo suyo es el indie-pop, pero con orientaciones orquestales. Un pop de texturas épicas, con gusto por los instrumentales y los acompañamientos de redobles, bien marcial su nota. Eso es lo que se percibía en una primera escucha a su anterior The Lost Riots (2004). Además de los órganos y demás violines, tal vez el único detalle que hacía que no sea un sonido del todo convincente podría ser la voz de Sam Herlihy. Pero volvamos al Left. Si ya con su debut habían abandonado la senda post-rock a la Mogwai que en un inicio los hizo de cierto nombre, con este último disco las deudas a bandas de pop orquestado, como Manic Street Preachers, o en el peor de los casos, Embrace, son obvias. Tal vez la tragedia de perder a su guitarrista James Lawrence (se suicidó en enero del 2004), hizo que el cambio sea más por supervivencia que por estética. Tal vez la partida de Jimmi aún duela, y por eso ese inicio con "Seconds", el sonido de una palpitación que aumenta en volumen durante sus 70 y tantos segundos de duración. La placa alcanza buenos momentos, uno de ellos sería "Bonfires", con ciertos segmentos en donde la tensión del tema es bien catalizada por unos impetuosos violines. También hay varios prescindibles, la lista tendría que encabezarla "The Good Fight" y su pretenciosa solemnidad, yo paso. Los HOTS siguen con su inclinación hacia este tipo de temas-con-mensaje y grandilocuencia en la ejecución. "Left" sigue esa senda. Es uno de los temas más largos del cd, y por poco no cae en el saco de la banalidad. El otro tema largo, "The Church Choir", el que cierra el disco, sufre de lo mismo, aunque sale mucho mejor parada, con buenas dosis de emoción y una correcta sensibilidad. Me quedo con sus temas cortos, como "Industry" (aunque tiene una letra que peca de infame), "This Is A Question" (que hacia el final devuelve al grupo un poquito al post-rock), y cómo no, "Forwardirektion" (el único tema en donde la sección de cuerdas de verdad funciona). No mucho más. Digo, por si se les ocurre regresar. A partir de ahora, pues, lo único que queda es despedirse.

¿Listos...? ¡Ya!

OK Go es una banda que ha alcanzado demasiada notoriedad. ¿La razón? Un par de videos:

::a.million.ways



::here.it.goes.again



Como puedes apreciar, ambas gemas de la producción de bajo presupuesto ("Praise You" hizo escuela, ¡grande Spike Jonze!).

No contentos con esos, lanzaron un peculiar proyecto: The OK Go Dances With You(Tube) Contest:



¿¿Qué tan difícil puede ser aprenderse esos pasos??



Bienvenidos al fenómeno...

A ensayar se ha dicho. ¿Listos? ¡Ya!

::2006_turning.japanese::

::the.decemberists::the.crane.wife

Quien haga un disco de covers de The Smiths y salga bien parado, definitivamente lo convierte en un rara avis. Sucedió con Colin Meloy y su aceptable EP Colin Meloy Sings Morrissey (nota mental: conseguir su Colin Meloy Sings Shirley Collins). Para cuando Picaresque llegó a mis oídos no pude menos que conmoverme. No solo es uno de los mejores discos del año pasado -ejem, para Manzarock lo fue-, y en resumidas cuentas, de lo que va de la década, sino que mostraba a las claras a una banda con una identidad propia en su propuesta, con un sonido pop elaborado y unas letras que más que gastarse en mostrar penas y vicisitudes personales, se desarrollan como relatos a veces haciendo referencia a hechos históricos, además del particular tono de voz de Meloy. The Crane Wife es un paso más adelante todavía. Con un nombre sacado de un trágico cuento popular japonés (lo que explica la portada y muchas de las líricas), el pop de The Decemberists ha evolucionado hasta casi circundar las fronteras del progresivo y ciertos matices folk -te has conseguido varios discos de Jethro Tull, a que sí, Colin. Por lo mismo, no debería llamar la atención un tema como "The Island" y su desarrollo en 3 partes, Come And See, The Landslord's Daughter y You'll Not Feel The Drowning. La comparación a la banda de Ian Anderson no es apurada. Esos 12 minutos se convierten en uno de los momentos estelares de este disco, su debut en una transnacional, Capitol Records, nuevamente bajo la batuta de Chris Walla en perillas (basta con escuchar "When The War Came" para notar su mano). A este cambio en el sonido -que no es tan dramático como puedes suponer- se suma también el cambio de casi todo el line-up de la banda. Habrá que esperar cómo es recibido este nuevo disco. The Crane Wife me parece arriesgado (la mejor prueba es "The Perfect Crime"), pero necesario si Meloy no quería sentirse encapsulado en un sonido que finalmente podría desgastarse. Temas como "O Valencia", "Yankee Bayonet (I Will Be Home Then)" -hermoso dueto cantado con Laura Veirs- o "The Crane Wife 3" mantienen la vibra del Picaresque. The Decemberists han conseguido dar un paso adelante, y tal vez eso les cueste algo de la fanaticada que habían conseguido hasta el momento. Mala suerte por ellos.

::2006_éter.monumental::

::robin.guthrie::continental



Sorpresota. Ser fan de Cocteau Twins no es fácil. Obviados en los 90’s por toda la fiebre alternativa y el vainvén electrónico que asaltó al mundo durante esos años, se dejaron de lado pasados celestiales de su discografía como Heaven Or Las Vegas, por no hablar de su nulidad en los recuentos de cualquier FM cada vez que revisan los “hits” de hace 20 años. Ahora me entero de este nuevo lanzamiento de una de los gemelos, Robin Guthrie: Continental, que es la continuación de Imperial del 2002, su primer disco solista. Pues, después de escuchar este, debo conseguir como sea el anterior. Apenas le des play al primer track “Continental” te darás cuenta que la marca registrada de Guthrie no ha variado un ápice, ese sonido de guitarras que sienta una atmósfera envolvente y acogedora, es el sonido del amanecer en el edén, del momento exacto en que nuestros ojos se abrirán y serán cegados por la luz que anuncia que ya hemos dejado la dimensión terrenal. Sonidos ya explorados en su aventura gemela. Tal vez por eso a medida que avanzan los segundos te hagas la pregunta “¿y cuándo entra la voz de Liz Fraser?”. No lo hace, ni la suya ni ninguna otra. Estas 10 gemas instrumentales que muestra Continental se construyen sobre capas y capas de guitarras ensoñadoras, notas hechas de arpegios emborrachadas de fuzz y reverberaciones, y un manejo MAESTRO del delay. Y aún con lo “ligero” que eso pueda sonar por ciertos pasajes como “Conquering The Romantic”, hay números que muestran una banda con su punche, eh. Eso se percibe en “The Day Star” y “Radiance”, mi preferido del disco. Mención además por los títulos, con los que nos imbuye en un viaje sideral, un out-of-the-body experience, para graficar aquello que obviaron las líricas: “Crescent”, “As I Breathe”. Imprudente ahora exigirle que repita hazañas sónicas como las del Treasure (1984) junto a su extrañada compañera de aventuras. Lo que es innegable es la vital influencia para actos que lo sucederían, tomándoles la posta en las nubes de éter que supo construir. Desde Slowdive hasta Radio Dept., la huella de Robin Guthrie es indeleble. Santas guitarras etéreas, Batman.

::2006_el.grito.se.desvanece::

::primal.scream::riot.city.blues

Una de las cosas que más detesto de U2 tiene nombre propio: Rattle And Hum. Sobre todo por el hecho de que me parecía inconcebible que un anglosajón (¡encima irlandés!) quisiera sonar como un negro del Delta de Mississippi. Claro, ese disco en parte ayudó a que, tras la vapuleada de rigor, la banda redefiniera su sonido y luego hicieran historia con el Achtung Baby y bla al cubo; algo que, por el contrario, celebro de la mancha de Bono. Casi 20 años después de ese exabrupto, mi consuelo sería que después de este Riot City Blues, Bobby Gillespie y su tropa (que aún cuenta con Mani, el ex Stone Roses, en sus filas) se convenzan que el futuro es hoy. Porque esa es la conclusión a la que llegué cuando escuché el Screamadelica (1991): un disco con el que Primal Scream había definido lo que vendría después, y que a la vez quedaría para siempre encapsulado como un referente inevitable para hablar de los inicios del movimiento rock + rave, vital para el nacimiento del brit pop noventero. Ojo que este tipo de baches no le es raro a la banda: Give Out But Don’t Give Up (1994), justamente el disco que sucedió a ese magistral disco del 91, los devolvía a terrenos más aterrizados hacia un rock and roll de folleto, hecho de clichés, y sin sorpresas, salvo “Funky Jam”, tema que tocan junto a George Clinton y que, como el nombre lo dice, hace que menees hasta el estenocleidomastoideo. Lo mismito siento de este Riot City Blues. Ya desde el título me despertaba cierta desconfianza… y vaya que me pagaron con creces: “Suicide Johnny & Johnny Guitar” está dedicada a Kate Moss y Pete Doherty. Come on!!! El disco está repleto de temas con tonadas country y rockanrolezcas de lo más estereotipadas y los títulos más zopencos que les he visto: “Country Girl”, “We’re Gonna Booggie”, “Stone Ya To The Bone”. Y ni porque homenajean a los New York Dolls en el tema “Dolls (Sweet Rock And Roll)” -otro título zopenco- me quedan ganas de escuchar este disco de nuevo. Qué paja es el Vanishing Point (1997), cómo les cambió la cara. A rezar por Primal Scream, no más. ¡Vamos, Mani, a ver si haces que el Gillespie se saque aunque sea un Zooropa para la próxima!

::2006_crecer.apesta::

::outl4w::get.in.the.van



Más o menos la analogía es como sigue: Punk = rebeldía; rebeldía = inconformismo; inconformismo = desobediencia; desobediencia = inmadurez. Bueno, es lógico, a los 10 años no vas a pedirle seriedad a un grupo de punk. Sí, esa banda existe. Outl4w, oriundos de Blackpool, Inglaterra, está formado por 3 hermanos más un pata suyo -el mayor apenas si tiene 12-. Y la sombra de los Pistols y Kurt Cobain ya hizo mella en ellos. Los hemanos Bentham -Bobby, Jack & Will- junto a Stuart Newburn aporrean sus instrumentos al son de los discos de la malograda mancha de Johnny Rotten. Su disco Get In The Van, editado por ellos mismos, ¡i n e x p l i c a b l e m e n t e! ha sido recibido con mucho mucho mucho, demasiado entusiasmo. Ya antes habían sacado un dvd. En octubre se van de mini-gira por Japón -¡¡¡!!!-, y hasta tienen videos. La respuesta es simple: Hate the game, not the player. Aquellos que busquen “honestidad” en dicho género, el punk, pues aquí harán hígado por las puras. Porque hasta estoy seguro que saldrán con la cola entre las patas: ¿de qué crees que puedan hablar temas como “Junk Food”, “My Mum Says” y “Television Addict”? ¿hay algo más honesto que eso, cuando tienes 8, 9, 10 años? Incluso el oportunísimo cover de Ramones, “I Don’t Wanna Grow Up” te va a saber graciosísimo, nunca mejor tocado. Y claro, los verás con sus camisetas raídas de “God Save The Queen” y sus jeans rotos, y esa pose maldita tan 1977. Pero, con la mano en el pecho, aquí me divierto más. Me parece tan honesto y directo, porque precisamente eso que transmiten son ganas de disfrutar eso que hacen. ¿La música? Outl4w hace lo mismo de hace casi 30 años, a nadie voy a engañar (aunque suenan increíblemente bien para su edad. ¡Carajo, cuánto chikypunk de por acá quisiera ese sonido!). Pero hey, no les exijas a estos chibolos algo que ya no te dan tus pankekes favoritos. Esos que sí se cagan de miedo de envejecer. Escucha “Be Yourself” y déjate de joder. Si quieres algo que te cambie la vida, lee la Biblia. De verdad, qué cague de risa que aquí se esmeran en seguir llamando chikypunks a 6 Voltios, tssssss…

Catervas cumple 10

Los hermanos Reyes celebrarán este 19 de agosto en el Yacana del Centro de Lima, sus 10 años como banda: Catervas.

Pedro, Javier y Raúl repasarán los mejores temas de su trayectoría, junto a algunos amigos músicos que colaborarán en algunas canciones (con la presencia de Wilmer en los teclados, ya miembro fijo de la banda hace un tiempo), además de pasar videos e imágenes que recogieron a lo largo de esta década juntos en el rock local. Anuncian ya la producción de su tercer disco, sucesor de sus anteriores lanzamientos, Catervas (2001) y Semáforos (2004), que recibieron buenos comentarios en su momento.

Como invitados, Mi Jardín Secreto. Empieza a las 10:30 pm. Y luego, el tono. Imposible faltar.

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::video::imposible.hoy

::video::elástica

Sueño Siamés

[Cine] + [Rock] siempre ha sido una combinación interesante. Se han podido ver películas con historias apasionantes y soundtracks más que recomendables. La lista es amplia, y entre las más destacadas de estos últimos tiempos mencionaré "Almost Famous" de Cameron Crowe, "High Fidelity" de Stephen Frears (basado en el libro del mismo nombre, casi mi biblia), "Hedwig And The Angry Inch" de John Cameron Mitchell (acá en Lima dicha historia fue llevada a las tablas, no tuve el coraje para verla), y la más reciente "Last Days" de Gus Van Sant (la cual no he visto pero el comentario más alentador que recibí al respecto fue "es más lenta que Elephant"...). Ahora habría que agregar un filme que ha despertado gran furor y polémica desde su estreno: "Brothers Of The Head" de Keith Fulton y Louis Pepe.

Salidos de las canteras del documental, Fulton y Pepe se nos hicieron conocidos debido al interesante relato de "Lost In La Mancha" (2002), en el cual muestran todo el problemático e inverosímil ambiente que rodeó la filmación de "The Man Who Killed Don Quixote", ambiciosa obra de Terry Gillian, y que iba a ser protagonizada por Johnny Depp -la grabación nunca se concluyó y el proyecto quedó incompleto-. Por acá se dejó ver gracias al cable.

Los tenemos de vuelta con un filme, su debut en largo, que a manera de falso documental, muestra el ascenso y caída de una visceral banda de punk rock en los inicios de los 70. "Brothers Of The Head" es el registro de la vertiginosa vida de 2 hermanos rockeros, Tom y Barry Howe, siameses unidos por el torso. Sumergidos en un ambiente que hace justicia al slogan drogas, sexo & rock'n'roll, los Howe Bros. son retratados por Fulton y Pepe como seres absorbidos por la alienación de la época, con mucha sátira y humor negro la pareja de directores muestran la explotación a la que son sometidos los músicos siameses y su adaptación a aquel pérfido submundo. La cinta ha recibido buenas críticas, y las actuaciones de los hermanos Harry y Luke Treadaway como los siameses Howe son impactantes (ayudados por el hecho de ser gemelos idénticos en la vida real). Y por lo visto en el trailer, algunas imágenes serán inolvidables. Esperemos que alguien se anime a traerla por acá.

Tenían razón los que decían que el rock & roll siempre fue un freakshow. Behold...

Video killed the Radio Star

No sé otra manera de comenzar el posteo, así que lo pongo igual como lo pensé desde el inicio: Queen re-inventó el videoclip.

Así es la nuez: Cuando en 1975 editaron A Night At The Opera, no tuvieron mejor idea que lanzar un video promocional del sencillo “Bohemian Rhapsody”, y de esa manera le pusieron el certificado de nacimiento del videoclip tal como se le conoce en nuestra era moderna. Dirigido por Bruce Gowers, no es oficialmente el primer video clip (Bob Dylan el ‘66 ya había hecho alguno), y si lees con cuidado verás que no he señalado que lo haya sido; sin embargo, fue tal el magnífico suceso global que alcanzó (no sólo es una estupenda canción, el video en sí era impresionante para la época), que hizo que practicamente TODO sello discográfico acompañara de un video cada lanzamiento de singles de los artistas y bandas que promocionaban: Ya no había necesidad de mostrar a la banda in situ. Nacía la era de la imagen. He ahí su cabal importancia.

Celebrar esta “hazaña” de mi banda favorita no era realmente la intención de este posteo, sino hacer un intro apropiado a lo que significa la cultura del video musical en nuestros días. Es que no siempre fue así. No es hasta 1981 que nace el factotum de los videoclips a nivel mundial: MTV cumple ya 25 años en su últimamente cuestionada brega de difundir música en videos (lo de eMpTyV no es gratuito. ¿O ya no recuerdas a Jack Black cuando dijo que el rock and roll “was killed by a little thing called MTV” en School of Rock?).

Igual, las celebraciones ya se están anunciando en su señal del cable. Obviamente para aquella que llega a esta parte de Latinoamerica -al menos, la que vemos acá en Perú- verá solamente un puñado de programas especiales y no mucho más. Pero algo veremos. Suficiente si tenemos en cuenta que tal programa lo conducirá Daisy Fuentes. La sexy Daisy. ¿Alguno recuerda ese programa de apenas una hora que daban por acá en los ochenta y que era conducido por esta misma cubana, en el canal 5? Se extraña ese MTV…

Empero este impacto no es ajeno a la world wide web: 2 muy visitados sites han publicado sendas listas que recogen los mejores videos para sus respectivos staffs. Ellas son la versión online de Stylus Magazine y la reverenciada guía indie Pitchfork (debo agregar que hay quienes esta web les llega exactamente al pitchfork también, déjame decirte). Cada uno elige a los que ellos consideran los 100 más resaltantes para su redacción: Pitchfork hace su lista sin ningún orden establecido y con algunos comentarios de verdad hilarantes. Mientras que Stylus es un más “categórico”, yendo de menos a más, considerando su lista como definitiva.

Como bien imaginas, hay coincidencias varias entre ambas, ausencias inexplicables, finalistas merecidos, y otras presencias que podrían descartarse sin ningún problema. Ah, y gracias al YouTube, si a alguno jamás lo viste, saldrás de la ignorancia con solo darle click a “play”.

Después de ese primero de agosto del ‘81 nada fue igual. “You’ll never look at music the same way again“, decía ese primer slogan de Music Television. No pues, ya nada nunca fue igual…

P.D.: El mejor colofón para este posteo tenía que ser éste: El primer video emitido en MTV.

::the.buggles::video.killed.the.radio.star

::2006_la.espera.desespera::

::centro-matic::fort.recovery

Historia verdadera: tenía que ir a un McDonald’s no tan cerca a casa para encontrarme con un pata para cobrar una deuda pendiente. Mientras llegaba metí un cd al discman. Escogiendo discos al azar (porque era uno de esos días que en realidad solo quieres escuchar algo que no sea el ruido de los carros y la gente, y menos lo que suena dentro de la combi) sonó Fort Recovery. Una decisión fortuita que cayó como anillo al dedo. Sobre todo porque cuando sonaba “Patience For The Ride”, pensaba 2 cosas: Que vivo demasiado lejos a los distritos de la mayoría de mis amigos; y que Centro-matic ha sacado un disco tan laxo que no es recomendable como soundtrack en situaciones de ansiedad (no es que me debían tanto tampoco, pero me sirve para graficar la idea). Me vengo a enterar que Fort Recovery es el 8vo disco de la banda -¡¡!!-, con el que siguen tercos en su onda lo-fi guitarrera tan Guided By Voices, que les ha traído fans y detractores. Suenan relajados, pero no a lo Low, más bien con un aura de confianza en ir de a poquitos construyendo las melodías, tratando de armar un disco, como le dicen, “parejo”. Pasa por eso que ningún tema realmente llega a resaltar como para reventarle cohetes (”Monument Sails” se queda pero por una pizca). El problema que esto trae aparejado es que incluso dentro de una misma canción del disco no encontrarás un pico emocional que te sacuda. Los buenos temas que son “Calling Thermatico” y “Triggers & Trash Heaps” carecen de ese momento en que todo reviente de una buena vez. Puede que la idea de Will Johnson no sea la de verter todo lo que lleva dentro y simplemente armar un puñado de canciones que con la sutileza necesaria nos muestra lo que es hacer un disco uniforme en sonido y emociones (costumbre que también extiende a sus proyectos paralelos, como los recomendables South San Gabriel). Después de media hora por fin llegó mi pata, y así también la buena sorpresa: “Take A Ride” por fin hace que esas guitarras abusen un poco de sus efectos, lo necesario como para agitar un poquito las cabezas. Lo que demuestra que a veces, hay mini tormentas después de mucha calma. Pagada la deuda y acabado el disco, regresé a casa. Entro a la web de Centro-matic y veo que llevan 10 años ya en la marcha. Y que todos dicen que éste es su mejor disco. Lección aprendida: siempre sirve esperar.

::2006_el.tiro.por.la.culata::

::the.rifles::no.love.lost

Debe ser lo más jodido del planeta nacer en Inglaterra y querer hacer música. No porque no se pueda, sino porque con esa historia y tradición en la música popular a cuestas, caray, sacarte ese peso de no parecerte “a nada”, puede resultar prácticamente imposible. Hay bandas que se zurran en tal postulado y siguen para adelante (con esa soberbia que les hace crear un oasis que luego muchas bandas persiguen), otras que orgullosas se asumen dignos relevos del testigo dejado por otros grupos (con una pretención inexplicable para sujetos sin nada con qué pretender). Y hay de las que suenan como pueden, así eso signifique sonar no muy “originales”. Para el caso que nos toca, la impresión que tengo es que estamos frente a un raro caso que resume los 3 casos. The Rifles deben saber de pe a pa las canciones de The Clash, The Jam (Paul Weller es influencia descarada), y demás acto punk británico de fines de los 70. En su disco debut encontramos: riffs pileros, voces enérgicas, coros contagiantes, y todo eso que hace a este grupo tan paja como lo fueron las fuentes de donde beben esa vitalidad. Y por eso mismo, cuando No Love Lost deje de sonar, te habrá sabido tan conocido, muy “esto ya lo escuché antes“, que dudo que vuelvas a ponerle play a tu equipo. Lo que resulta tanto un defecto como una virtud, si es que cabe el juicio. Difícilmente las canciones superan los 3 minutos (apenas el arranque vertiginoso con “She’s Got Standards”, “She’s The Only One”, la infaltable canción “eres mía o de nadie“, y una más por ahí), así que el disco es digerible a más no poder. Temas como “Hometown” y “Local Boy” hicieron que pensara en como sonarían unos Editors haciendo covers de Sex Pistols -sin mencionar que “Spend Lifetime” es The Rifles covereando a los mismos Editors prácticamente-, y “Peace & Quiet” es un follow-up perfecto a cualquier single de The Libertines, lo mejorcito del cd, por mi madrecita. Y así podría seguir con el resto, que “Robin Hood” es el mejor tema que nunca grabó Pete Doherty, y demás gracias… No me malinterpretes. No Love Lost ES un buen disco, pero su frescura te durará, ¿qué?, ¿3 semanas? Para fin de mes, estoy seguro que otra bandita indie será tu grupo de cabecera. A mí no me da para tanto. Eso sí, cuando me dio con The Rifles, saltaba hasta el techo, lo justo. Hasta la próxima indie band.

::2006_cuando.el.post.punk.cansa::

::pretty.girls.make.graves::élan.vital

Teniendo en cuenta que el nombre de este ahora quinteto de Seattle proviene de una canción de los héroes The Smiths, aluciné que el título de este su tercer disco tenía algo que ver también con ellos -un lado b oculto, alguna referencia geográfica/histórica, así se llama un pata de la banda, qué sé yo-, por lo que decidí googlearlo, al tiempo que lo escuchaba a ver qué tal. ¿Resultado? Con respecto a la búsqueda: resulta que es un término en francés que significa algo así como “fuerza vital“, una fuerza relacionada a la evolución y desarrollo de los organismos. Con el disco, que es lo que importa, pues todo lo contrario: me aburrí como nunca. Élan Vital es un disco fallido, con un sonido que ni por asomo guarda algún tipo de relación con la banda mencionada líneas arriba, y que no me ha movido un pelo. Mira que no parecía, porque al menos el primer par de tracks, anunciaba otro derrotero. “The Nocturnal House” (que me parece que tal vez se extiende innecesariamente) y “Pyrite Pedestal” al menos daban luces de que sí, esa vitalidad que pretenciosamente se atribuyen para su disco, estaba manifiesta. No es que sean temas de desbordante efusividad, pero sí con la suficiente calidez y entusiasmo para seguir enganchado a lo que sigue. Pues, nada, no hay sorpresas por venir. Esta sensación de impulsividad se mantiene la primera parte del cd, que muere en la (buena no más) canción “Domino”. Luego de un pequeño interludio nace el drama, pues aquí es donde Pretty Girls Make Graves la embarra (incluso, el mismo interludio te parecerá innecesario). La nueva integrante Leona Marrs adquiere notorio protagonismo con sus teclados, y de verdad que las atmósferas de muchos temas se me hacen impasables. La voz de Andrea Zollo es más que agradable, sabe cantar y gritar cuando y donde debe, pero no alcanza para levantar el disco, se nota que tienen buenas ideas pero no han sabido culminarlas (”Selling The Wind”), y toman rutas inadecuadas (”The Magic Hour”) en su intento por mostrar un sonido que los aleje de su celebrado The New Romance, que tenía más que ver con la onda de bandas emocore a lo At The Drive-In o hasta Sleater-Kinney, que con esta camada neo post-punk a la que parece quieren intregrarse. Y no lo entiendo, porque ahí sí funcionaron. No sé si será una cuestión de gustos o de cierta sensibilidad que ya no tengo, pero Élan Vital nunca me enganchó (”Wildcat” y las que mencioné antes se pueden salvar). Pretty Girls Make Graves edita este Élan Vital via Matador. Sus razones habrá tenido este buen sello para tal movida. O fácil le deben un favor a alguien. Por mi parte, sorry chicas, pero este álbum va derechito a la tumba.

El día que La Reina calló...

9 de Agosto de 1986

Knebworth Park

120000 asistentes

Queen daba el último concierto en su Historia.

Los extraño…

::2006_agita.las.palmas.y.di.yeah::

::oh.no!.oh.my!::oh.no!.oh.my!

"Myspace is destroying myrockandroll" decía el nick de un pata mío (cuya banda debería tener más ensayos de los que puede). Cuales cazarecompensas, muchos son -todavía no caigo en dicha vorágine- los que día tras día se sumergen en dicho portal (y alguno que otro rss feed) con la esperanza de encontrar su next big thing personal. Oh No! Oh My! es la típica banda caleta adorada por los bloggeros indies: un grupo formado por 3 patitas sin mucho más que hacer que aprender a tocar instrumentos y autoproducirse un disco para distribuirlo ellos mismos. Todo dentro de las reglas básicas del DIY. El núcleo creativo es un dúo, Greg Barkley y Daniel Hoxmeier (con el apoyo del batero Joel Calvin) comenzaron en Nashville tocando tonadas depres y lentas. Como que no les vaciló. Cambiaron de sonido y nombre (las gracias respectivas a una canción de The Robot Ate Me), y ahora grabaron este cd autotitulado. ¿So… what’s new? Han sido comparados a Clap Your Hands Say Yeah. Dicen que suenan a unos The Shins si estos hicieran post-pop (sino ellos, alguien ya lo habrá inventado, me imagino), y este debut, si podría decírsele peculiar, tampoco es que sea EL acontecimiento indie del año. Oh No! Oh My! es un disco es simpático y alegrón, pero hay temas que definitivamente se lucen muchísimo más que otros, y al final, si de algo cojea el disco es por ese desbalance. Como toda banda pop, Barkley y Hoxmeier se las arreglan para mostrarnos tonadillas agradables que sean fáciles de tararear (la linda “Farewell To All My Friends” o “The Backseat”, imposible que evites mover la cabeza de un lado a otro), y simultáneamente mostrarnos cuan buenos instrumentistas llegan a ser (”Jane Is Fat”). Las joyitas de este disco son inobjetablemente la dulce “Lisa, Make Love! (It’s Okay!)”, canción para juegos campestres o cuando visites a los venaditos en el zoo, y sobre todo “I Have No Sister”, con un frenetismo disco-pop encapsulado en 3 minutos, perfecta para un fratricidio. Te ahorro la búsqueda: deja de bloguear media hora por hoy y dedícale ese tiempito a este disquillo. Pero luego regresas y lees la próxima reseña. No se te vaya a hacer costumbre…

::2006_la.división.de.la.alegría::

::fleeting.joys::despondent.transponder

¡No lo puedo creer! ¡Puta madre! ¡Qué bestia! Kevin Shields debe estar sollozando de la emoción. El disco que hemos estado esperando que edite Creation desde hace 15 años luego de aquel glorioso, seminal Loveless, llegó. Se llama Despondent Transponder y el monumento se lo debemos erigir a una novel banda de Sacramento, California: Fleeting Joys. Un grupo que ha rebalsado la copa de su debut con cataratas de capas de radiante feedback (prepara un impermeable porque se te viene un imparable chubasco de éter, no bromeo). Ahora, resarciéndonos un poco de la euforia inicial, suelto una duda: ¿cómo una banda salida de un punto geográfico agobiado por un calor ideal para el veraneo hace música como si hubiera vivido desde siempre aletargados bajo la neblina grisácea de las islas británicas? Es justa la interrogante. Porque la anglofilia que trazuma este Despondent Transponder es hasta cierto punto, asfixiante. John en las guitarras y Rorika con el bajo y agregados electrónicos, los integrantes de la banda (a quienes se les suma Matt McCord, invitado en la teba) elaboran temas que, francamente, son deudores de todo un género, y resulta sospechoso. Porque “Magnificent Oblivion” suena demasiado parecido a “Only Shallow” de My Bloody Valentine. Y cuando no es MBV, es Slowdive: “Satellite” es un track perdido del Souvlaki. Es un disco auroral, que revienta en un extasis de delays y chorus, y demás efectos de pedaleras (”Young Girls’ Fangs”), e incluso con coqueteos noise + melodía tipo Sonic Youth en “I Want More Life”. Tal vez lo de Fleeting Joys sea un accidente. Grato, de hecho, pero para tomarlo con calma. Teniendo en cuenta el humor depresivo con el que quieren impregnarnos en sus temas (desde las voces cansinas y nostálgicas tanto de John como de Rorika, hasta con títulos como “The Breakup” o “Lonely Crawl”, el nombre del disco (que se traduciría como “Receptor Desanimado”), e incluso de la misma banda: Alegrías Efímeras. Eso me sabe tan 1991… La imagen de Xerox no será fácil de alejarla de tu cabeza una vez acabe “Patron Saint”, el tema final del cd. Queda claro que para esta placa no te será difícil reconocer el origen de sus sonidos, ya sea algún album de Cocteau Twins, ya sea el canto de una ballena, y tal vez por eso, Fleeting Joys ha conseguido impactar. Y por el momento, es suficiente para una sonrisa.

::2006_[indie].looney.tunes::

::tapes.'n.tapes::the.loon

Como que ya comienza a hartar esto de ser “indie” y/o hacer música “indie” (nunca lo primero tiene que ver con lo segundo muchas veces, y viceversa). No pretendo teorizar, simplemente deseo, digamos, elevar un a suerte de queja: cualquiera se hace llamar o dice hacer “indie”, porque eso es lo que ahora se está escuchando. Hype, al fin y al cabo. No dudo de la raigambre desprejuiciada y alpinchista de muchas de las bandas selladas con tal rótulo, ni de su buen sonido y, además, su influencia innegable para la escena, pero meter cualquier disco o grupo en ese mismo saco… tampoco, pero es algo que ya a estas alturas se hace inevitable, y su status quo no puede ser negado. Lógico, la pregunta cae solita: Tapes 'N Tapes, ¿son indies? Dicen, al menos los críticos. Basados en la forma de cantar de Josh Grier, en la forma como sus guitarras elaboran sus melodías, y en el hecho de que algo suenan a Pavement (algo dije, no un vulgar copy/paste, pero póngamoslo así: Malkmus tiene con qué demandarlos y ganar). La banda ha pisado el estudio con una idea clara para sus temas, y tiene canciones que verdaderamente los hace sobresalir del resto de bandas, como ellos, también debutantes. Sin embargo, no detecto rastros marcados de un sonido lo-fi que es la marca de fábrica del estilo, y sí por ejemplos siento más obvios los guiños new wave de algunos tracks, sobre todo en el tema final “Jakov’s Suite”, con un devaneo instrumental que dura casi la mitad del tema y que haría ruborizar del orgullo a unos primerizos B52’s. Es por eso que dudo sobre cuál denominación elegir para esta banda de Minneapolis. ¿Qué sonido tiene “Manitoba”? ¿No es bacán que una balada lastimera tenga ese remate? ¿”The Illiad” es bossanova + rock alternativo, o me estoy volviendo loco? ¿Esos eran timbales y quijada de burro? ¿No es perfecto que “Cowbell”, el tema que le sigue, la mitad de corto, sea tan pilero, y con una línea tan genial como “I’ve been a better lover with your Mother“? The Loon ha capturado a buena parte de la crítica musical independiente (y la no indie también) con este primer largo. Y, ejem, a Manzarock también. “Insistor” se cuela por derecho propio en las listas de mejores canciones de este año (¿cómo imaginas el video? Yo en una taberna del viejo oeste o donde sea que toquen polka -¡!-) y me deja con muchas ganas de estar atento a lo que salga más tarde de ellos. Arcade Fire el 2004, Clap Your Hands Say Yeah el año pasado. ¿Tapes 'N Tapes encabezando preferencias para diciembre? Indie Rock Animado de ayer y hoy presentó…

::2006_now.it's.off::

::grandaddy::just.like.the.fambly.cat

Cuando eras niño seguro tenías tu robot de juguete favorito. Uno que cargabas para todos lados, que decía cosas raras, que se daba vueltas, que tenía muchas luces de colores que se prendían y apagaban. Y un buen día la pila se acabó (osea creciste, conociste una mujer, conseguiste un trabajo, tantas cosas…), y esa “magia” desapareció por completo. Lo agarraste, lo tiraste al suelo y lo destrozaste. Ya no era lo mismo (o de verdad fue que la pila se agotó). Desde hace unos años, Grandaddy era mi robotito. Se había convertido en esa banda que mezclaba un alucinado imaginario con una instrumentación lúdica y despreocupada, además de su pinta y una estética salida de una mezcla improbable entre ZZ Top y Flaming Lips. Pero no he sido yo quien decidió tirar mi juguete al suelo para hacerlo añicos. No, fue el mismo Jason Lytle quien quiso que esta aventura terminase. Y para despedirse sale a la luz Just Like The Fambly Cat. Grandaddy hace gala aquí también de ese space-pop tan particular, sin embargo el sabor a tedio, que supongo debe ser el mismo que les agotó sus pilas, se cuela en muchas de las canciones. Están esos riff gruñones, están sus teclados de dibujo animado vintage. Pero también hay pena, miedo y hasta pesimismo, aunque menos mal también dejan espacio para la esperanza y el agradecimiento (”Skateboarding Saves Me Twice”), que te pueden sonar a nostalgia, pues finalmente, ya todos sabemos -y ellos más que nosotros- que después de este disco, no habrá nada más adelante (”Summer… It’s Gone”). Es la ironía de alguien que sabe que no tiene nada más que perder. Algunos temas pasan los 6 minutos, y te demandarán mucho compromiso para seguirlos. En sus temas cortos (”Jeez Louise”, “Campershell Dreams”, “Disconnecty”, “Elevate Myself”), los hijos favoritos de Modesto, California te impresionan con melodías pegajosas. Luego de lo cual, y a manera de sentida despedida de sus fans, de sus amigos, del mundo (donde hay robots, animales, y uno que otro alien, ese mundo que ellos se inventaron y nosotros queremos visitar), Lytle nos asegura que ya no hay marcha atrás: “This Is How It Always Starts” y “Shangri-La (Outro)” son la última vuelta del robot. Digamos adiós, muchachos: nosotros ya crecimos… y Grandaddy se apagó.

::2006_zigzag-pop::

::the.fiery.furnaces::bitter.tea

¡Atención! Éste es un disco de más de una hora de duración. Así que si tu timing ideal al momento de escuchar un cd no excede los 40 minutos, sigue con lo que estás haciendo. Porque además, las “complicaciones” no acaban ahí. Bitter Tea trae 13 temas, sin contar un par de bonus tracks, y déjame decirte, cada uno es más “difícil” que el siguiente. Hay un juego en las estructuras de los temas que hace de este album una experiencia desconcertante, pero no por eso menos atractiva. Un disco raro pero desafiante para quien lo escucha, y la valentía de la banda para tal determinación merece ser señalada. Hay un gran manejo en las perillas de grabación que también quiero resaltar, un disco que está muy bien producido, y que indica que estos muchachos han querido llevar al límite las canciones. Lo consiguieron, a mi entender. El punto está en cuánto de esta experimentación se vuelve plenamente disfrutable. Pues, gran parte del disco lo es, tengo que admitirlo. Arrancando, “I’m A Little Thatched Hut” ya te pone en alerta. Te recomiendo someterte a la audición de esta placa por aquí, desde el track 1. Te dará una buena pauta sobre lo que viene. Si te gusta, continua; caso contrario, gracias por intentarlo. Y es que The Fiery Furnaces han querido desafiarse más a ellos mismos que a nosotros. No solo es su compleja instrumentación, además de la forma cómo presentan esos sonidos, plagados de efectos de consola, sino también en la cimbreantes arreglos para cada uno de los temas, ninguno va por donde crees que debe seguir. No te confundas: estás siendo desorientado adrede. Un tema con un título imposible como “The Vietnamese Telephone Ministry” es la cabal prueba. Hay mucha cabeza fría aquí, te aseguro que nada es fortuito o intuitivo. Es delicioso contemplar un disco que se presenta como un rompecabezas siendo armado por la propia banda delante de tus oídos. Cuando parece que has encontrado la pieza que puede servirte, los hermanos Eleanor (voz y guitarra) y Matt Friedberger (también voz y guitarra, además de órgano y sintes) le dan un giro inesperado. El disco es bueno, pero sí, concedo que es tal vez demasiado largo. Sin embargo, como ya mencioné, la gran mayoría de temas destacan. Tal vez no escuche un disco tan bizarro como éste en lo que resta del año (aún no me hago de las fuerzas necesarias para escuchar su placas anteriores), pero ha valido la pena. Vamos, un poco paciencia bastará. Pues tal vez, con respecto a The Fiery Furnaces, esta frase nunca esté mejor dicha: hay que perderles el paso.

::arthur.lee::1945_2006::

Murió el Amor.

“Si algo le agradezco a Belle & Sebastian es haberme hecho descurbir a Love“. Eso o algo así escribía hace unos meses, cuando me pidieron unas líneas para referirme a una canción del combo escocés (”I’m Waking Up To Us” precisamente). Arthur Lee, su iluminado creador, murió ayer en Memphis. Duele mucho la noticia.

Si algo había escuchado de la banda de Arthur Lee, era el nombre y una lamentable historia acerca de cómo una estúpida ley lo hizo pagar tiempo en la cárcel. Eso no importa, sino la música que creó, intensa y, ahora más que nunca, eterna.
Mi única intención con estas líneas, además de llorar su fallecimiento, es hacer que corras y consigas Forever Changes. Es el disco que los Beatles hubieran sacado de no haber hecho el Sgt. Pepper. Period.

Son incontables las veces que he cantado esa línea que dice “You know that I could be in love with almost everyone…“. No quiere irse de mi cabeza, y de veras que no tiene por qué.

So long, Arturo.

::2006_ya.fueron.los.ochenta::

::mates.of.state::bring.it.back

Más discos así se necesitan. En donde se respire un porvenir venturoso (¡párenla ya con los revivals inútiles y desgastados!), con un talento desbordante, muchas ganas e inventiva. Mates Of State son un dúo: la tecladista Kori Gardner (ya sea órgano, piano o un sinte) y el baterista Jason Hammel, ambos compartiendo el armonioso trabajo vocal, además de una vida de esposos desde el 2001 (vamos, por la portada la sacabas, ¿cierto?). No, no hay guitarras, y si eres de esos que se espantan ante tal escenario, cierra el blog. Ellos 2 han armado un disco pop que es tan nostálgico como tierno. Los MOS no cantan juntos: se cantan el uno al otro. Están enamorados y no se les cae la cara de vergüenza en decírselo. Y ya en este 4to disco, los teclados y multiefectos de Gardner son exclusivos, en detrimento del uso de la viola que incluso ella misma ejecutaba. Aunque en realidad, si alguna crítica se le ha achacado a esta banda, precisamente está en el hecho de desistir de seguir usando guitarras. No me importa y sigo babeando en este posteo. Se nota que están felices, enamorados, se complementan, y en sus canciones lo demuestran (deben haber escuchado bastante el Pet Sounds cuando eran novios). “Think Long”, el tema de inicio, es la demostración. Las voces se acompañan, no se imponen la una a la otra, mientras las notas de Kori y la percusión de Hammel desarrollan la melodía. Tampoco creas que estamos frente a un listado de lindas y tontas canciones de amor, ni mucho peor. “Fraud In The 80’s” será uno de los singles del año, y con toda justicia. Porque es perfecto, porque el sonido del dúo en voces e instrumentos está tan armoniosamente acoplado que vibrarás desde que escuchas sonar las primeras teclas. Lo anterior no quita que “Like You Crazy” trate de cómo ellos están locos el uno por la otra, y viceversa, licencia que gustoso me trago. Tal vez te puedas confundir al pensar que dado que son “solo” un dúo, algo pueda flaquear en su sonido, pero estos esposos conocen tan bien sus instrumentos, que te admirarás con los arreglos de cada uno de los 10 tracks que escucharás. Eso te pasará con “What It Means” y “For The Actor” (la trompeta es precisa). Los diálogos cantados entre Jason y Kori son oro puro. Te dije y te repito, canciones felices, de un par de locos enamorados, que como te hacen bailar también saben cómo pulverizarte el corazón en 2 minutos (”Nature And The Wreck”, solo piano, viola y voz, ¡Dios Mío!) y algunas líneas geniales (”It’s not the same without you around” cantan en “Punchlines”). Quiero más discos así. Por lo pronto, acabado este Bring It Back, a seguir oyendo los 3 anteriores. Me voy cantando, para estar acorde a la situación: “And you will surely find this news pleasing to your ears / You can surely try to be more alive“.

::2006_¿anochese?::

::lucybell::comiendo.fuego

En cambio, a Lucybell los vi las 2 primeras veces que vinieron a Lima (falté, inexplicablemente, para su tercera y última visita. Mentira, sí hubo explicación). Recuerdo que la expectativa era mayúscula. Se dejaba ver y escuchar el Sesión Futura (2001) vía MTV Latino, y su disco Amanece (2000), cosechaba excelentes críticas, aunque ya sin Marcelo Muñoz y Gabriel Vigliesoni, miembros fundadores, para esa gira -éste último produjo el disco Raíz de los locales Dolores Delirio. Su performance fue sobresaliente, junto a un público entregado y la vibra era inmejorable, tocando incluso “Caballos De Histeria”, versión que no estaba incluida en el Sesión Futura. Con Eduardo Caces en el bajo ya fijo desde ese disco, la siguiente entrega fue Lumina hace 2 años. Y ya algo quedaba claro por aquellos días: Francisco González, el estupendo baterista de la banda, quería su disco. Se notaba la diferencia entres sus canciones, y las de Claudio Valenzuela, su formidable vocalista. Y como vemos, eso ha sucedido. Fuera ya de la banda, Gonzáles ha sido reemplazado por el ex-Dracma Cote Foncea, y fue con esta formación que vinieron aquí la última vez. Pero en Comiendo Fuego escucharás cualquier cosa, menos Lucybell, incomparable incluso a aquella banda que sacó ese inesperado -y hasta incomprendido- disco autotitulado del ‘98 (¡ya quisiera encontrar en este cd algo como “Sembrando En El Mar”!). Se siente algo de vigor en muchos de los tracks, como en el single “Fe” y “Eternidad” (que suena sospechosamente parecida a “Luces No Bélicas”), pero no más. “Por Qué No Estás De Pie” y “Vuelve A Mí” parece indicarnos que se enmienda la plana, pero es una falsa impresión. No hay sorpresa en el disco, la voz de Valenzuela ya no excita como antes (si no has escuchado “Mataz” dudo que puedas entender a qué me refiero), y el trío se deshace en temas instrascendentes y de lo más genéricos, salvo excepciones medianas como “Cada Paso” no hay nada más que pueda o deba destacar. Lástima pues, pero a Lucybell se le vino la noche…

::2006_just.do.it::

::los.tres::hágalo.usted.mismo



Siempre me arrepentiré de no haber ido al único concierto que dieron estos chilenos aquí en Lima. Uno de los poquísimos grupos latinoamericanos que en todos sus discos (sí, en todos) desbordaron talento y calidad compositiva. Tras su sepración, la frustración que sentí fue excesiva. Pero ahora hay tiempo para volver a soñar con una nueva visita (improbable, pero nada pierdo anhelando). Se hicieron famosos en la región con La Espada & La Pared (1995), su tercer disco en ese tiempo, y esa especie de “Loosing My Religion” sudaka que era “Déjate Caer”, una de las 5 mejores canciones pop parido en esta parte del planeta, y de hecho fue mi primer contacto con este cuarteto (en realidad, en sus inicios fueron un trío, de ahí, ¡oh!, su nombre). La natural progresión de su sonido, propia de músicos inquietos e inconformes los llevó por sendas que tal vez el “respetable” no supo retribuir con sus favores en las ventas, en albumes como Fome (1998) y La Sangre En El Cuerpo (1999, ya dije, recomendables todos). El símil que hago con R.E.M. no es tirado de los pelos, pues siento que lo acaecido con los mapochos, con las distancias salvadas, que fue algo similar al suceso post-Out Of Time de los de Athens. Hágalo Usted Mismo, más que una referencia al típico leit motiv indie, alude a la propia capacidad instrumental y compositva de la banda (y por qué no, tal vez una alusión burlona a lo poco trascendente que fue la incursión solista del vocalista Álvaro Henríquez). Transcurren las canciones con una facilidad y agrado que difícilmente se consigue si no es con años de impecable trayectoria. Son ellos, pu’, son Los Tres, Henríquez, Titae Lindl y Ángel Parra (el batero Pancho Molina decidió no participar en el disco), en un disco con sus inconfundibles sellos: esa enfermiza filia sesentera (deliciosos los teclados), la voz entre estoica y compungida de Hernández, letras que hablan de matar a la amada y luego morirse por ya no tenerla -sigue tan autodestructivo como antes-, y más. Su vena rockabilly se mantiene, y verás que suenan más acústicos que sus últimos discos (es decir, de vuelta a La Espada…), así que de ser ése tu favorito, no puedes quejarte. Debes escuchar “Cerrar Y Abrir”, la mejor balada del año, a secas. Renglón aparte para “Ruina” y ese particular estilo de interpretar la cueca mapochina, con un gran respeto y honesta sensibilidad pop (consíguete el La Yein Fonda). Genial este retorno, que salvo sorpresa de último momento, será lo mejor del año en este continente. ¡¿Qué estás esperando para llamar a tus patas, Cerati?!