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Manzarock se muda:

www.manzarock.com

Gracias por leerme por aquí.
Espero que sigan me sigan visitando por allá.

::2006_kindness.is.not.a.weakness::

::headlights::kill.them.with.kindness



POP. Hay algo en esas letras que cuando te atrapan, no las dejas. Y algo así han logrado para sí Tristan Wraight [guitarras] y Erin Fein [teclados, sintes]. La melodía corta, pegajosa, tarareable. Las voces frescas, ligeras, complementarias. Y la ventaja de contar con la predisposición del oyente de turno a pasar un buen rato. Todo servido entonces. Headlights irrumpen con Kill Them With Kindness, 45 minutos de [noise e indie] pop, que tiene la personalidad suficiente para colocar "Your Old Street" en el track 1. Un arranque de cuerdas bastante elaborado y subyugante, además de extenso. Ninguna de esas notorias características son defectos, sino todo lo contrario, ya que se dan maña [aunque la palabra correcta sería "inteligencia"] para saber desarrollar una canción redonda [deliciosos los xilófonos, ni qué decir la interpretación vocal]. Todo se ensambla a la perfección a partir de ahí, ya que establece el ambiente por el que discurrirán los 13 temas restantes. Dividido en 2 partes separadas por el efímero instrumental "The Midwest Is The Best" [¿será porque el trío -completado por un pata suyo de Chicago, Brett Sanderson en la teba- es oriundo de Illinois], los primeros 6 temas tienen un cariz más introspectivo y orquestal. "Put Us Back Together" se alza como la indiscutible canción insignia de esta primera parte. La voz de Erin Fein es tan dulce como evocativa, y los intrumentos pasan de su inicial delicadeza a un frenético aunque controlado final. Previo al mencionado instrumental, "Owl Eyes" parece darnos una pista de lo que vendrán en la segunda parte. Ánimos elevados, instrumentación más acelerada, temas más cortos y ágiles. "Lions" y esa harmónica juguetona desencadena el lado happy del disco, esta vez teniendo con la voz de Wraight como protagonista. En esta parte, el protagonismo se lo roba "Words Make You Tired" y esos teclados diseñados para ser silbados [la labor de Fein en ese sentido alcanza una mayor notoriedad en los últimos tracks del disco, en donde también sobresale "Sings Point To Yes (But Outlook No So Good)"]. Me inclino más por este tema que por "Hi-Ya!", dado que el símil con algún track perdido de Mates Of State es sorprendente. Pero agradable, por supuesto. The Cure, Yo La Tengo, Grandaddy y Stars reunidos y mezclados. Headlights matará el aburrimiento de tus días con dosis de pop sutil y elaborado. No hay necesidad de hacer tanto escándalo al respecto.

::2006_respondiendo.al.llamado::

::the.longcut::a.call.and.response



Sucede cuando "descubres" una banda, que te empatas inmediatamente con todos aquellos grupos que nacen de las semillas diseminadas por el sonido de aquella agrupación original. Tocando en Helicon [¿recuerdas?], nos topamos con todas aquellas agrupaciones que identificábamos como el resultado de someterse a la audición de My Bloody Valentine. Nuestros ensayos se hicieron cada vez más esporádicos, pero la costumbre se entercaba en no dejarnos. Desde Slowdive hasta Quasi, pasando por Kinski y, cómo no, Mogwai, algunos más, otros no tanto, el llamado, ejem, post-rock, ya había hecho mella en nosotros [o porque los sindicábamos como nuestros referentes más próximos -léase "sí podemos sonar así"- o porque su magnitud solo era constrastada por nuestra absoluta admiración -y creciente envidia, desde luego sana en la medida de lo posible-]. Entonces, este debut en largo de The Longcut [tienen como 4 EP's previos], llega a mis oídos apadrinado por aquella bendita etiqueta: rock de ambientes espaciales, un disco con el suficiente impacto para pararles la oreja. Digo esto en parte porque son un trío nada más [su cantante original se quitó porque el estilo de vida del rockandroll no iba con él. Ya]: John Fearon toca el bajo, Lee Gale empuña la guitarra, y ahora la voz cantante pasó a ser la función del baterista [¡!] Stuart Ogilvie. Quien no contento con eso, también se hace notar con los teclado [¡¡!!], dejando a una drum-machine hacer las partes rítmicas en algunas canciones. Lo cual hace interesante los tracks de este A Call And Response, pues hay un pulso dance-rock que se apodera de temas como "A Quiet Life", el cual a pesar de su engañoso título, te invita al baile más que a la contemplación [(d)efecto al cual recurre muchas veces el género], aunque en "Gravity In Crisis" algo de eso último hay, y en la perfecta medida. Lo bacán de la pericia instrumental de Ogilvie es que sabe cuándo darle notoriedad a los ritmos programados, y cuándo apagar su máquina invitando a la batería "real" para que asalte los temas, ya sea con vigorosidad ["Spires"], o con un acompañamiento mesurado ["The Kiss Off"], o de plano, dejando que el protagonismo recaiga íntegramente en esos beats ["Vitamin C"]. Y encima, SABE cantar. El inicio convincente que es "A Last Act Of Desperate Men", a pesar de sus casi 7 minutos, es la mejor invitación a degustar de plano todo el cd. Y "Holy Funk", la muestra de la versatilidad de este trío de Manchester al elaborar un canción con pocos cambios en su estructura [ya pues, repetitiva, si quieres], salvo las notas del teclado de Ogilvie, mientras que "Lonesome No More!", cuyo título me gusta, te convence de lo bien que el nervio melódico tanto de Gale como de Fearon te mantiene atento aquí y durante toda la placa, para casi al final escuchar unos redobles de tambores que redondean la faena. Que no estarán en tu lista de downloads urgentes, ni aparecerán como lo básico dentro de este estilo. Pero digamos que para lo hecho por The Longcut aquí, me basta como para buscar cualquier grupo que aparezca junto a su nombre, dentro del entrecomillado "suena como...", y vale aclarar: ése es el llamado que siempre me place responder.

::2006_cualquier.chica.puede.hacerme.sonreir...::

::ant::footprints.through.the.snow



Relacionar ahora discos con chicas resulta pues trillado. He estado pensando y trataré de ser un toque innovador, jeje. ¿Qué tal si relacionamos la musica con perros?, a veces las mujeres no valen tanto como un perro o como un disco, ni siquiera como una canción, que aunque no lo creas muchas veces puede salvarte la vida (eh... estoy hablando de LA canción), aunque un perro también, ¿no? Ya ya ya, una mujer también. Entonces empecemos... uhmm, pera', es que también resulta poco ingenioso utilizar el día domingo, así que nos situaremos en... ¿lunes? ¿Puede ser? ¡Ya! ¡Sale! Quedemos en lunes. Ya, lunes con tu perro... ¡Aguanta, aguanta!, pero también caeríamos en el facilismo si nos ubicamos en invierno u otoño así que ya, lunes con tu perro en primavera, ¡ta' mare'! ¿pero a qué hora? Resultaría manido escribir "en una tarde" así que ya a la mierda, lunes de primavera con tu perro en la mañana, ¿ta' bien? ¿chévere si o no? Pucha, pero ahora que recuerdo yo no tengo perro, ¡qué chu! Lo imagino, solo me basta poner play y ahí está, acurrucado conmigo, es un cocker spaniel con sus orejotas peludas y esa mirada arrepentida que te colma de ternura y te jura fidelidad eterna; recuerda que es lunes en la mañana de primavera con tu perro, es que trata de entenderme, es su mirada, la mirada lo es todo, mientras el sr. [Anthony] Harding [*ex-baterista de Hefner] te comenta que cuando tu corazón se parte en pequeños pedazos puedes escucharlos tintinear mientras caminas de regreso de su mundo al tuyo, y tu can o tucán (que dicho sea de paso, también suena bastante interesante: "primavera con tu tucán lunes en la mañana") está ahí y sigue mirándote, atento, de hecho que él también está disfrutando tanto el disco como tú, se nota pes, se nota pes, se nota cuando alguien está disfrutando tanto algo como tú, la mirada pes, por eso hablaba de las miradas pes, estamos solos y es cuando sientes tarde o temprano, inevitablemente lo sientes, ese pellizco en el corazón y ¡puta madre!, aparece ella, chessssss, siempre tiene que estar ahí, en todas las canciones bonitas de mi vida. Quieta pendeja, ¿qué pensaste? Jajajaja, ahora seguro va a decir que miro por mi ventana como pasa la triste mañana. Naaaaaaaa, más bien contemplo observando la puerta que da a la sala, intentando que estos días sin ti no me duelan tanto al encontrar mi cama un poco más vacía, algún día encontraré una manera más rápida de robarte un beso.

::por.douglas.lobaton

[*esas cursivas siguen siendo mías]

Mi Jardín Secreto x 2: Florentino + Jammin'

Este viernes 22, en el Florentino:



Mi Jardín Secreto
Abrelatas, estrenando disco, "Inútilmente Románticos"
The Overdrive Ostrich, debutando en vivo.
5 soles, 10:30 pm.

+

Este martes 26, en el Plus TV, canal 6:



Mi Jardín Secreto en Jammin'.

El recuerdo de una Era

A veces parece que una parte de Lima solo vive de eso, de grandes recuerdos de algunas buenas épocas del pasado.

Hacia fines de los ochenta, el EBM [Electronic Body Music] fue el soundtrack para muchos habitantes de la noche limeña. Uno de sus más conspicuos ejectutantes, el combo inglés Nitzer Ebb, llega a la capital para un concierto este 28 de Setiembre, en la discoteca Seven.



Los británicos editaron 5 discos entre 1987 y 1995, y no se tenía noticias de ellos desde fines de los 90 hasta este año en que han editado un par de recopilatorios: Body Of Work (1984 - 1997), y su respectivo disco de remixes Body Rework, hecho por diferentes bandas techno que muestran sus propias versiones de temas de la agrupación.





Nitzer Ebb: Body Of Work Americas Tour lleva por nombre la reunión que ha tenido la banda luego de 10 años. Lima es el inicio de esta corta gira por Sudamérica, que los llevará después por Chile y Argentina, para partir de ahí rumbo a Europa.

Aún no compro mi entrada, pero asumo que sí voy. En realidad, no porque tenga recuerdos de épocas doradas vividas con la música de esta banda como soundtrack [algo que sí me pasó con Indochine, por ejemplo, que van por la misma época], sino porque luego al escuchar algunos de sus discos, y sobre todo That Total Age, reconozco que en algún momento esta banda fue espectacular:

::nitzer.ebb::that.total.age.[mute/geffen]



"Reaccionario". Ésa es la palabra que se me viene a la cabeza después de escuchar nuevamente este discazo. Su status es tal que incluso para Douglas McCarthy [dueño de esas flamígeras voces, y guitarras], Vaughan (Bon) Harris [sintes], y David Gooday [percusión], superar esta cota fue prácticamente imposible en sus entregas posteriores. La banda de Essex, haciendo gala de una visceralidad interpretativa (juraría que en "Violent Playground" hasta te ladran) y unos agresivos beats marciales y líneas de bajo endemoniadamente bailables ("Murderous" es para tonear a muerte), logra en su lp debut de 1987 un despliegue de furiosidad e intensidad en clave industrial dance que nos impactó a muchos, con temas relacionados a la violencia, el movimiento, la juventud y el cuerpo humano, en un amasijo que surge como respuesta al temor de morirse en el aburrimiento. 9 petardos de technofuria y alegatos vigorosos firmados por Nitzerebbprodukt como entidad, que debes bailar por lo menos una noche de tu vida. Que tu cuerpo aprenda a moverse al ritmo de estos cantos. Hail and join in the chant!

::2006_de.vuelta.a.casa::

::christina.ronsenvinge::continental.62



La moraleja de algún cuento perdido es algo así: Para crecer, debes salir de casa. Para saber cuánto has crecido, debes regresar. Bueno, pues, esta flaquita pálida, ya pasando los 40, puede contar su propia versión. Por aquí todavía sigue siendo recordada por las radios debido a lo hecho en aquél primer Que Me Parta Un Rayo con Los Subterráneos (1992). Y es recordada porque es el disco perfecto para la FM, con sus melodías dulces, los temas sobre el amor y sus decepciones, y varios singles-hit que muchos cantan hasta hoy. Al punto que llegó a venir por estas costas y dar un par de conciertos (a los que no fui, maldita sea). Y bueno, prácticamente eso es todo lo que recuerdan. Claro, su siguiente disco fue esperadísimo... y casi simultáneamente olvidado apenas salió. ¿Razones? que era demasiado, ¿cuál es la palabra?, "crudo" para las radios. Mejor para algunos, pero no para "su" público, aquel que no se cansaba -ni siquiera hoy- de tararear "Mil Pedazos", "Tú Por Mí", "Tengo Una Pistola", "Voy En Un Coche", "Pulgas En El Corazón", en fin... Toda esa inocencia del primer disco es trastocada en Mi Pequeño Animal (1994). A pesar de haber lanzado un single que sonó mucho (adivinaste, los siguen pasando incluso hoy) como es "Pálido", y de haber venido otra vez para dar otro par de conciertos (a los que tampoco fui, maldita sea), pues el disco no caló. Asumo que eso facilitó que, en primer lugar, se deshiciera de Los Subterráneos, y como lógico paso 2, que cambie de rumbo musical. Llega Cerrado el 97, cuyo single "Solo" es un favorito personal, pero no tuvo buena recepción de parte de cierta crítica, y fue seguido por Flores Raras un año después (disco en vivo, que confieso no he escuchado). ¿Qué seguía, entonces? Cambiar de aires. Llega el nuevo siglo, y la madrileña abandona su península, hasta llegar a Nueva York. Conoce a los Sonic Youth Lee Ranaldo y Steve Shelley, y con ellos graba Frozen Pool (2001), cantado íntegramente en inglés, y que tuvo buen recibimiento. Inmediatamente después llega Foreign Land (2002). Es correcto suponere que Continental 62 (nombre tomado por el número de vuelo que conecta Madrid con La Gran Manzana) es el pertinente cierre de la trilogía: un disco para la partida, otro para la estancia, y éste para el regreso al hogar. Ya con un respeto ganado (y no solo por codearse con los músicos con los que graba sus discos -súmale Tim Foljahn, pata de Cat Power-), se muestra incluso más arriesgada que desde ese primer paso dado en Frozen Pool. Además con la novedad de ahora sí traer 3 canciones cantadas totalmente en español, de las que destaca "Teclas Negras", oscura, nigérrima balada, y especialmente "Tok Tok", con esa línea genial que recita "solo se puede renacer después de la humillación". Pero el premio mayor se lo lleva la (ésta sí) cruda "White Hole", de una visceralidad contenida y angustiante. Bacán que Christina Rosenvinge haya encontrado otra ruta ("evolución" como le llama ella misma) y no quiera parecerse a Lou Reed, sin refugiarse en su perversa dulzura como único mérito. Ahora, ya en España, esta sobreviviente de aquella (no para todos) resaltante Movida madrileña, puede descansar (si sus 2 hijos lo dejan) orgullosa de haber armado un álbum que resume pop de cámara, indie americano, score de film noir, y mucha personalidad. De culto o no, qué más da, se le sigue apreciando. ¿Qué le falta? ¿Plantar un árbol tal vez, no?

**actualización_20.set.06**

Christina Rosenvinge vuelve a dejar Madrid... para venir a Lima. Será este 21 de Octubre en el María Angola.
A la quinta será la vencida, oh yeah! ;)

::2006_para.que.no.te.desmayes::

::bardo.pond::ticket.crystals



La primera vez que lanzé fue, puta, 2001, 2002 creo, el día de mi cumpleaños a las 10 am. No sabía cómo se hacía ni los efectos: osea fumé por huevón. No sentía nada, a los 10 minutos me desmayé y tenía una taquicardia de la reconchasumadre y pensaba que me iba a morir en el acto. Luego dicen que hablé huevada y media durante 2 horas (¿se imaginan eso?); desde ese día me prometí que nunca mas volvería a fumar en mi vida, jeje y si pes toy limpio desde esa vez , pero la mayoria de mis patas lanzan (sino son todos, incluso el dueño de este blog, sino pregúntenle dónde está su DNI -empeñado-) y me cuentan que es chévere. Jeje, su nota pe', que perciben todo de manera distinta: Belle and Sebastian se parece a Mogwai, que New Pornographers tiene las mismas estructuras de canción que Cat Power y sandeces parecidas. Aunque me parece sumamente interesante eso de la percepción pero putamare, 1) me puedo volver a desmayar y hacer el ridículo frente a mi a mamá, y 2) que no quiero tener más vicios, suficiente ya con los cigarros, la coca cola y el bendito wazzu. Si tu caso es parecido al mío pues te tengo buenas nuevas: B A R D O P O N D es un scanazo del tamaño del brazo de un bebe, tres llaves de pura, como diría Juan Brujo, bien puestos y a secas o aplicarse un crackcito bajo los puentes de Miami rodeado de latinos. B A R D O P O N D es un sedante, no necesitas nada más, sólo despanzúrrarte en tu cama y verás como la música hace el resto, la voz de Isobel Sollemberger parece entrar por tus venas cual heroína (la droga), aquella heroína (el femenino de héroe) que ha venido a salvarte de tu realidad, no de la realidad general (???): su voz te hipnotiza, su voz es Tony Kamo, te ordena qué hacer y no puedes negarte, estás indefenso, idiotizado, ¡¡¡ya quemaste!!! Las guitarras de la dupla -------------- y ------------------- (así está el texto original, no es joda) son como la fuerza del agua en una lavadora, imagina que eres un polo dentro de una lavadora, similar efecto es escuchar a esos chuchas hacer mierda sus instrumentos, aniquilan tu cerebro como cámara escondida de Videomatch destrozando los carros de sus víctimas. No es necesario pensar, todo es fébril, es excesivo, es el pajazo de tu vida. Las canciones son eternas (13, 15, 18 minutos), los momentos son eternos, no tengas miedo, solo no te vayas a desmayar.

::por.lupita.carrasco

(las.cursivas.son.mías.y.mi.dni.no.está.empeñado)

.::. manzarock .::. @ nau pyrata

Chekando algunas estadísticas, me doy con la sorpresa de la visita de pyrata, cuyo blog, nau pyrata, es un blogroll surtido y con bastante variedad de estilos musicales.



Manzarock aparece enlistada en el posteo del día de ayer, 16 de setiembre, junto a otros más.

Gracias por la añadida ;)

::2006_carretera.al.amor::

::graham.coxon::love.travels.at.illegal.speeds



Se cuentan con una mano aquellos músicos que tras haber pertenecido a una banda cuyo éxito radicaba en tener un sonido distintivo, se hayan podido destacar de aquéllos, e incluso tener más éxito, sin ser una mera fotocopia o una lograda extensión de sus agrupaciones originales. Cuando Graham Coxon deja Blur (o lo botaron, todavía no me queda claro), francamente no esperaba mucho ni de él -así soy de malcriado, a veces- ni de lo que pudiera hacer el trío restante. Como para callarme, Damon Albarn y sus patas sacaban Think Tank (2003), y hubiera preferido que no lo hayan hecho y paren ahí la máquina. Coxon, que participó en algunas sesiones de grabación de ese disco -aunque solo acredita colaboración en el último track, "Battery In Your Leg"-, ya había publicado 4 discos como solista para cuando dejaba la alineación de Blur definitivamente. Love Travles At Illegal Speeds suma su séptima aventura solista. A sus 37 años, azarosamente vividos, se le ocurre salirnos con un disco que como no podía ser de otra forma, habla de "el amor". Asumo que ya a esa edad, el hecho de querer "sentar cabeza" pesa más y afecta muchas de las actividades predominantes de tu vida. Chau drogas, chau trago, chau depre. Todo un cambio. Y lo lógico también es buscar un sonido que te sirva de catalizador. Parecerse a Blur, sería pues, suicidarse. Debo reconocerle algo: se ha esforzado en destacar más como compositor de canciones que impresionar con alguna técnica guitarrera, y eso es saludable. Huellas de punk rock cosecha '77 hay (bien ahí con la filia a la banda de Pete Shelley, Buzzcocks), en canciones como "Don't Let Your Man Know", "Gimme Some Love" y "You Always Let Me Down". Y también mucha vibra beatle por ahí, como en "Don't Believe Anything I Say" y "See A Better Day". Love Travels... es un buen disco, diferente a, digamos, lo que alguna vez mostró con "Coffee & TV" -o incluso "Tender"- en su antigua banda, pero si más o menos has seguido su travesía solista, notarás que aquello que ahora nos quiere mostrar es que, primero, no los extraña, y segundo, que Blur ya no puede seguir sacando más discos sin él. Graham Coxon posee el talento y la inteligencia para sacar un disco que suena no a lo que solía hacer, sino a lo que sus sinceras inquietudes apuntan, tanto en sonido como en temática. Tal vez no supere las cotas alcanzadas con sus ex-compañeros, pero digamos que el flemático que todos llevamos dentro sabrá entenderlo. Ay, el amor.